Il Flauto Traverso
Il flauto traverso appartiene alla grande famiglia degli strumenti a fiato, ma ha una caratteristica che lo distingue: si suona in posizione orizzontale. Il musicista non soffia dentro un’ancia, né dentro un beccuccio, ma indirizza il proprio respiro contro il bordo affilato del foro dell’imboccatura, posto sulla testata dello strumento. È proprio da questo piccolo gesto che nasce il suono: l’aria si divide in due correnti, una che entra nel tubo e una che resta fuori, creando turbolenze che fanno vibrare la colonna d’aria interna.
Il flautista ha diversi modi per controllare il suono. Con le dita – o meglio, con le chiavi metalliche che chiudono e aprono i fori – modifica la lunghezza della colonna d’aria, variando così l’altezza delle note. Ma non basta: anche la direzione e la velocità del soffio sono determinanti. Cambiando l’inclinazione del getto d’aria, si possono far risuonare le armoniche superiori e ottenere registri sempre più acuti. È grazie a questo gioco raffinato di respiro e diteggiatura che il flauto traverso copre circa tre ottave, passando da un suono caldo e vellutato nei gravi a toni squillanti e penetranti negli acuti.
Oggi il flauto moderno è quasi sempre costruito in metallo – argento, oro, platino o leghe più comuni – ed è composto da tre parti: la testata, dove si trova l’imboccatura, il corpo, che porta la maggior parte dei fori e delle chiavi, e il piede, che permette di raggiungere le note più basse. La sua meccanica si basa sul sistema inventato da Theobald Böhm nell’Ottocento, che ha reso le diteggiature più logiche e uniformi, migliorando intonazione e potenza sonora.
Una lunga evoluzione storica
Il flauto traverso non è nato così come lo conosciamo oggi. Le sue origini si perdono in tempi lontanissimi: strumenti simili erano già diffusi in Asia, dalla Cina all’India, fino al Giappone. In Europa, invece, lo si incontra nel Medioevo, sotto forma di un semplice tubo di legno con pochi fori, privo di chiavi.
Durante il Rinascimento, il flauto inizia a diffondersi nelle corti e nelle cappelle musicali. Viene costruito in diverse dimensioni – soprano, tenore, basso – ed è usato spesso in piccoli insiemi omogenei, chiamati consort. Il suo timbro morbido lo rende ideale per la musica da camera. È però nel periodo barocco che lo strumento conosce una vera trasformazione: viene costruito in più pezzi, assume una forma leggermente conica e riceve la sua prima chiave, solitamente per il Re diesis grave. Questo permette di ampliare le possibilità cromatiche, e il flauto diventa protagonista di sonate, concerti e brani virtuosistici scritti da grandi maestri come Bach, Händel, Vivaldi e Telemann. Con l’età classica, il flauto si afferma definitivamente nell’orchestra. Il numero delle chiavi aumenta – da quattro fino a otto – rendendo più agevoli i passaggi cromatici e migliorando la fluidità delle esecuzioni. Mozart gli dedica concerti e quartetti che ancora oggi restano tra le pagine più amate del repertorio.
La vera rivoluzione, però, arriva nell’Ottocento grazie a Theobald Böhm. Flautista e costruttore geniale, Böhm ridisegna completamente lo strumento: sostituisce il tubo conico con uno cilindrico (conica resta solo la testata), introduce un innovativo sistema di chiavi ad anello e perfeziona la disposizione dei fori. Il risultato è un flauto più potente, intonato e versatile, adatto non solo alle sale da concerto ma anche alle grandi orchestre sinfoniche. Nel Novecento il modello Böhm diventa lo standard internazionale, mentre la famiglia si allarga con varianti come l’ottavino, il flauto contralto e il flauto basso. I compositori contemporanei spingono ancora oltre i suoi limiti, esplorando suoni inediti: multifonici, frullati, colpi di lingua, effetti di soffio e persino il canto simultaneo con il suono del flauto.
Così, da semplice tubo di legno a raffinato strumento in metallo, il flauto traverso ha attraversato i secoli reinventandosi continuamente, ma senza perdere quella sua natura affascinante e immediata: trasformare il respiro umano in musica.
Il ruolo del flauto traverso nelle orchestre a fiati
Quando il flauto traverso entra in un’orchestra a fiati, porta con sé una voce luminosa, quasi cristallina, che ha la capacità di emergere e di fondersi allo stesso tempo. È uno strumento che si muove con grande agilità e per questo i compositori gli affidano spesso le melodie più leggere, i fraseggi eleganti o i passaggi rapidi che devono dare slancio all’insieme.
Grazie al suo registro acuto e brillante, il flauto riesce a dare luce al suono complessivo della banda: talvolta spicca come protagonista, conducendo il tema principale, altre volte rimane più discreto, raddoppiando linee di clarinetti o oboi per arricchirne il colore. È come un filo sottile che può disegnare arabeschi sopra la massa sonora degli ottoni, portando freschezza e ariosità. In molte orchestre a fiati, al flautista viene chiesto anche di passare al piccolo, uno strumento ancora più acuto e penetrante. In questo caso il flauto traverso diventa la base su cui il piccolo si innesta, garantendo continuità e coerenza timbrica: il primo con il suo calore, il secondo con i suoi lampi quasi argentei.
Il flauto, però, non è solo strumento di brillantezza: è capace anche di grande delicatezza. Nei momenti lirici o più intimi, la sua voce diventa morbida, sospesa, quasi un canto che si libra sopra il respiro collettivo della banda. In questo modo contribuisce a bilanciare il peso degli ottoni e delle percussioni, che altrimenti potrebbero rendere il suono troppo compatto.
In sintesi, il flauto traverso nell’orchestra a fiati è un vero camaleonte: sa essere solista e protagonista, ma sa anche mescolarsi agli altri legni, arricchendo il tessuto sonoro. È lo strumento che dona luce, agilità e colore, e che permette all’ensemble di respirare con una leggerezza altrimenti difficile da raggiungere.